El mes de diciembre es uno de los más esperados del año por varios motivos. Es la época en la que disfrutamos de unas pequeñas vacaciones, nos reunimos para celebrar las fiestas, recibimos regalos y vemos cómo la ciudad se viste de luz y se ambienta con la música típica de la Navidad: los villancicos.
Continuar leyendo «Razones por las cuales los villancicos suenan a Navidad»Anna Cano
Artista del mes: Xavier Sabata
Este mes dedicamos nuestra sección a Xavier Sabata, uno de los contratenores mejor dotados vocalmente y considerado como uno de los cantantes más versátiles de su generación. Su voz y su estilo fresco y natural se adaptan perfectamente tanto al repertorio de música barroca como al contemporáneo.
UN CONTRATENOR CON GRANDES DOTES TEATRALES
Nacido en Avià (Barcelona) en 1976, Xavier Sabata se graduó en interpretación teatral en el Instituto del Teatro de Barcelona y, posteriormente, estudió canto en la Escuela Superior de Música de Cataluña (ESMUC). Continuó perfeccionando su técnica en la Musikhochschule de Karlsruhe (Alemania), donde tuvo como profesores a Hartmut Höll y Mitsuko Shirai.
Antes de especializarse en canto clásico, Xavier Sabata era un nombre conocido en teatro y televisión. No obstante, a los 26 años decidió orientar su carrera hacia la ópera.
En 2005, alcanzó proyección internacional junto a William Christie y su programa Le jardin du voix. De esta colaboración también surgieron grabaciones discográficas, tales como L’incoronazione di Poppea (Monteverdi), La Didone (Cavalli) y Sant’Allesio (Stefano Landi).
Su repertorio está muy centrado tanto en el Barroco como en la música contemporánea. Gracias a su formación en arte dramático, es capaz de enfrentarse con gran éxito de público y crítica a repertorios de música teatralizada.
PROYECCIÓN INTERNACIONAL
Son conocidas sus colaboraciones con grupos de renombre (Europa Galante, Collegium 1704, Venice Baroque Orchestra, I Barocchisti, Al Ayre Español, El Concierto Español, Orquesta Barroca de Sevilla, Il Pomo d’Oro, entre otros).
Ha trabajado bajo la batuta de directores de la talla de Fabio Biondi, René Jacobs, Jordi Savall, Gabriel Garrido, Fabio Bonizzoni, Diego Fasolis, Andrea Marcon, Xavier Díaz Latorre, Ivor Bolton, George Petrou, Riccardo Minasi, Harry Bicket y Christopher Moulds.
Además de ser un habitual del Teatro Real de Madrid y del Gran Teatre del Liceu de Barcelona, su gran calidad vocal lo ha llevado hasta los mejores teatros de ópera del mundo: Théâtre des Champs-Elysées y Opéra Royal de Versailles (Francia), Grand Théâtre de Ginebra y Opéra de Lausanne (Suiza), Theater an der Wien (Austria), Teatro La Fenice de Venecia (Italia), Badisches Staatstheater Karlsruhe (Alemania), Opera Rara en Cracovia (Polonia).
Ha ofrecido conciertos en auditorios como el Concertgebouw (Ámsterdam), Barbican Center (Londres), Lincoln Center (Nueva York), Kennedy Center (Washington D.C.), Chaikovski Hall (Moscú), Auditorio Nacional (Madrid) y Palau de la Música (Barcelona), entre otros.
Cuenta con una extensa discografía firmada por sellos como Virgin Classics/EMI, Decca, Harmonia Mundi Iberica y Aparté. Sus grabaciones incluyen óperas de Händel (Faramando, Arminio, Ottone). Su álbum más reciente, Catharsis, se centra en rarezas de la ópera de comienzos del siglo XVIII.
NUESTRA ENTREVISTA CON XAVIER SABATA
A continuación, podéis leer todo lo que nos contó Xavier Sabata sobre su carrera musical en el mundo de la ópera. Esperamos que os guste.
1. Tu rango vocal es uno de los más peculiares en la música clásica. ¿Qué te atrajo de convertirte en contratenor y cómo descubriste esta tesitura?
Mi camino al contratenor fue, en gran medida, una cuestión fisiológica. Comencé intentando desarrollar una voz de barítono, que parecía la extensión natural de mi voz hablada. Sin embargo, al intentar subir a notas más agudas, mi voz cambiaba automáticamente a falsete en una zona de mi registro que era bastante cómoda.
Fue una revelación de lo que era mi tesitura natural. Después, casi por casualidad, descubrí un disco de “Julio César”, de Händel, con los contratenores James Bowman y Dominique Visse. Fue algo totalmente inesperado y fascinante; esa sonoridad inusual y rara, casi como de “unicornio”, me atrapó por completo. Comprendí que lo mío era el contratenor y, desde entonces, me lancé a desarrollarme en esta tesitura poco común.
2. El repertorio para contratenor suele asociarse al Barroco. ¿Qué retos y placeres encuentras al interpretar a compositores como Händel o Vivaldi, y cómo lo comparas con el repertorio contemporáneo?
Efectivamente, más del 90% de nuestro repertorio pertenece al Barroco y, en menor medida, al primer clasicismo. Aunque, cada vez más, están surgiendo obras contemporáneas para contratenores, lo cual agradecemos mucho porque expande nuestras posibilidades artísticas.
La música barroca es virtuosa y técnicamente desafiante: hay coloraturas, pasajes de legato y arias de una gran delicadeza que exigen control. No obstante, me fascina encontrar la profundidad psicológica en cada personaje. Aunque el Barroco parece a veces lejano y “artificial” en su estilo, mi obsesión es humanizar cada rol, mostrar qué hay detrás de esas voces extraordinarias.
La música contemporánea tiene puntos en común con el Barroco, ya que también busca teatralidad y, a veces, un realismo escénico. Sin embargo, el lenguaje musical es mucho más arriesgado y vanguardista. Personalmente, cuando trabajo repertorio contemporáneo o del primer Barroco, como Monteverdi o Cavalli, me siento igualmente motivado, puesto que el trabajo es similar: familiarizarme con la intención del compositor y extraer la humanidad y la fragilidad que hay en cada estilo.
3. Has colaborado con directores de orquesta de renombre. ¿Cómo influye la relación con el director en la interpretación de un rol tan particular como el de contratenor?
Hace un par de décadas, cuando comenzaba mi carrera, los contratenores éramos vistos como algo extraño, incluso entre los propios directores. En aquellos años, muchos no especializados en Barroco nos miraban con cierta curiosidad, casi como a un “unicornio” y, a menudo, nos trataban con algodones, como si nuestra voz no pudiera ofrecer la misma flexibilidad que una mezzo o un tenor.
Esto ha cambiado mucho; hoy los contratenores estamos mejor comprendidos y los directores suelen saber cómo trabajar con nosotros. Esto nos permite una relación más normalizada y una colaboración mucho más directa y enriquecedora en términos interpretativos.
4. ¿Qué papel juega la tecnología en tu preparación vocal?
Diría que muy pequeño. En mi preparación, la tecnología se limita al uso ocasional de espectrogramas para analizar cómo se forman mis vocales y cómo se agrupan los armónicos en mi voz, especialmente cuando busco el “formante del cantante”, esa acumulación de armónicos que proyecta la voz en un espacio grande y la hace sonar sin esfuerzo.
Más allá de esto, no dependo de la tecnología; incluso, si usamos un piano eléctrico en los ensayos, yo prefiero métodos tradicionales. En ocasiones, grabo una clase o ensayo para analizarlo después, pero mi entrenamiento vocal sigue siendo principalmente un trabajo físico y auditivo directo.
5. Eres un artista que se mueve con soltura entre lo operístico y lo teatral. ¿Cómo equilibras estos dos mundos en tu trabajo? ¿Sientes que la interpretación teatral enriquece tu forma de cantar?
Es una gran satisfacción escuchar eso. Creo que mi inclinación teatral “viene de fábrica”. Soy un intérprete que no teme sacrificar, en ocasiones, la pureza de la voz en pro de una mayor credibilidad del personaje. A lo largo de los años, he aprendido a equilibrar mi teatralidad y a adaptarla a distintos estilos.
Si interpreto un rol que requiere pureza en la línea, como en el primer clasicismo, modero mi teatralidad en función de la estética. La formación teatral me ha hecho un cantante más preparado y versátil, capaz de abordar cada rol con una comprensión profunda tanto en lo vocal como en lo escénico.
6. En la época barroca, los castrati dominaron los escenarios. ¿Cómo manejas las comparaciones con estos legendarios cantantes?
Para ser sincero, ignoro esas comparaciones. Los castrati y los contratenores somos fenómenos diferentes. Nadie sabe con certeza cómo sonaban los castrati, y los estudios sugieren que su sonido probablemente nos parecería extraño hoy en día.
En aquella época, la técnica vocal era menos homogénea y se jugaba más con los registros, lo que hoy nos resultaría chocante. Por eso, no tiene sentido hacer comparaciones; mi enfoque está en mi desarrollo como artista y en presentar un trabajo que me represente a mí, no a una estética del pasado.
7. Has interpretado personajes que abarcan desde reyes hasta villanos. ¿Cuál ha sido el más desafiante y por qué?
Los personajes que me resultan más difíciles son aquellos a los que el director de escena no da suficiente profundidad. Cuando, simplemente, me dicen que el personaje es “noble” o “bueno”, siento que se me queda corto. No es distinto a poner una etiqueta, como decir de un niño que es “bueno” o “malo”. Es demasiado genérico.
Sin embargo, cuando trabajo con directores que entienden la complejidad humana y profundizan en la psicología del personaje, incluso un héroe puede ser un desafío enriquecedor. No se trata de juzgar al personaje, sino de encontrar lo humano, las emociones reales que hacen a esa figura creíble en escena.
8. ¿Crees que el piano tiene un rol subestimado en la música barroca? ¿Cómo te gusta trabajar con pianistas en tu repertorio?
No diría que está subestimado, sino que la música barroca gana mayor autenticidad y resonancia con criterios históricos y con los instrumentos originales. Aunque me gusta trabajar con pianistas, prefiero reservar el piano para repertorio específicamente pianístico, como en el caso de Winterreise. En ese contexto, el piano se convierte en un compañero expresivo, que me permite explorar una sonoridad y una poesía distintas.
Trabajo bien con los pianistas que entienden la música desde una escucha profunda y una construcción poética, como aprendí en la Escuela de Lied de Karlsruhe. Lo esencial es que la pieza crezca en complicidad sonora, no en la imposición de decisiones de dinámica, y el piano es un gran aliado en este tipo de colaboración.
9. En la ópera, donde la excelencia técnica es esencial y el margen de error es pequeño, ¿cómo manejas la presión y la competencia?
La competencia es una cuestión de perspectiva; existe solo si uno la permite. Cuando trabajé en una de mis primeras óperas, Sant’Alessio, de Landi, compartí escena con nueve contratenores y la prensa nos preguntaba si había rivalidad.
Para mí, la competencia nace de compararse con otros, lo cual nunca ha sido mi enfoque. Prefiero concentrarme en hacer mi trabajo lo mejor posible, en trabajar bien con el equipo y en sentirme preparado y en paz con mi calidad artística. La competencia más dura es la interna, la exigencia de subir cada vez más el nivel en cada rol, y esa es la que prefiero afrontar.
10. Por último, si pudieras hacer un dueto con cualquier artista, vivo o muerto, ¿quién sería y qué obra cantaríais juntos?
Es una pregunta fascinante. Me encantaría cantar con Anohni, cuya música me ha cautivado desde que era Antony and the Johnsons. Sería extraordinario poder colaborar con ella, independientemente de la obra.
Y en el ámbito clásico, me gustaría hacer un dueto con Elīna Garanča, cuya voz considero una de las más bellas y técnicamente sólidas de la historia. Siempre he soñado con cantar junto a ella; estoy seguro de que sería una experiencia incomparable.
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Rosemary Brown, la compositora que hablaba con compositores fallecidos
¿Conoces la historia de Rosemary Brown, la pianista y compositora inglesa que afirmaba hablar con compositores fallecidos? Hoy hacemos un repaso por este interesante caso en el que se mezcla la música y los compositores clásicos con lo paranormal.
Continuar leyendo «Rosemary Brown, la compositora que hablaba con compositores fallecidos»Artista del mes: Alberto Mira
En esta ocasión, nuestra sección no está dedicada a un pianista o compositor propiamente dicho, pero podemos decir que Alberto Mira es todo un renacentista del siglo XXI.
Continuar leyendo «Artista del mes: Alberto Mira»5 ejercicios de calentamiento antes de empezar a tocar el piano
Los ejercicios de calentamiento son fundamentales antes de empezar a tocar el piano, ya que preparan las manos, dedos y articulaciones para el esfuerzo físico que implica una clase, una práctica o un concierto.
Continuar leyendo «5 ejercicios de calentamiento antes de empezar a tocar el piano»Artista del mes: Mario Marzo
Actor, pianista y podcaster, Mario Marzo nació en Madrid en 1995. Hijo de pianistas, se puede decir que lleva la música en la sangre. Comenzó a estudiar piano con sus padres a la edad de seis años. A los 18 años, obtuvo el grado Profesional de Piano con la distinción de Premio Extraordinario Fin de Grado en las especialidades de piano, música de cámara y acompañamiento.
Tras finalizar los tres primeros cursos de Grado Superior con matrícula de honor en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, continuó su formación en la Hochschule für Musik “Hanns Eisler” de Berlín.
Este multifacético joven se dio a conocer al gran público a los trece años, cuando entró a formar parte del elenco de la serie televisiva Los protegidos. Fruto de la casualidad, pues la productora buscaba un actor joven que supiera tocar el piano, a partir de ese momento combinó la actuación con la música.
Su maestría al piano se ha visto recompensada con numerosos galardones, como los obtenidos en el concurso Veguellina de Órbigo (León) y el concurso Intercentros (Comunidad de Madrid).
Ha actuado como solista con la banda de música del Conservatorio Profesional de Música de “Amaniel” y junto a la orquesta sinfónica del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, bajo la batuta de Jesús Amigo. Además, lo hemos podido ver en recitales como los de la Hammerklavier International Series de Barcelona y el Steinway Hall de San Francisco, entre otros. También grabó un recital de piano y música de cámara en el ciclo “Jóvenes Intérpretes”, de Radio Nacional de España.
En la actualidad combina su faceta de padre de gemelos con la de pianista y creador de contenido. Presenta dos pódcast con gran número de seguidores, que no le pierden la pista en las redes sociales.
NUESTRA ENTREVISTA CON MARIO MARZO
A continuación, puedes leer todo lo que nos contó Mario Marzo durante la entrevista con Hinves.
1. Pianista, daltónico e influencer: ¿cuál de las tres facetas pesa más en tu día a día?
Daltónico, sin duda. Combino mal la ropa, les enseño mal los colores a mis hijos… Las facetas artísticas tienen más o menos peso en mi vida, dependiendo de los proyectos, pero ver el cielo rosa es para siempre.
2. ¿Cuál es tu primer recuerdo con un piano?
Con la música de piano, escuchar el tercer concierto de Rachmaninov interpretado por Martha Argerich durante un viaje en coche con mis padres a Cádiz. Yo tenía cuatro años y cantábamos juntos el primer movimiento de principio a fin.
Con un piano como tal, era el Yamaha de mi casa, recuerdo a mi padre y a mi madre sentados a él, dando clase a sus alumnos. Mi padre dice que yo me dormía las siestas bajo el piano con ocho meses, pero no lo recuerdo. Tendremos que creerle.
3. En tus redes sociales combinas contenido mainstream con otro de índole musical. ¿A la gente joven le interesa la música clásica?
Mucho más de lo que pensamos. Es cierto que hay muchísima más gente joven a la que no le interesa la música clásica que a los que sí, pero eso no significa que los jóvenes no quieran emocionarse, no se sorprendan ante el virtuosismo o que les parezca cosa de viejos.
Tienen mucho más acceso a la música del que teníamos cuando yo tenía siete años y viven con pasión lo que les gusta. Ahora falta echarles una mano y mostrarles el maravilloso mundo que la música les puede abrir.
4. Ves en una estación de tren un piano vacío. Te sientas. ¿Qué sería lo primero que empezarías a tocar y por qué?
A mis 18 años aprendí por las malas que si tocas uno de esos pianos, puedes perder un tren. En la estación de trenes de París, encontré un piano y me puse a tocar el Scherzo 3 de Chopin, que estaba estudiando por aquel entonces.
No lo tenía memorizado por completo y las partes más complicadas no las tenía “en dedos”, pero aproveché la oportunidad para estudiarlo un poco. Agrupé a un pequeño público que me aplaudía en las pausas, empecé a tocar otras piezas, la sesión de estudio comenzó a convertirse en un recital… y nunca llegué a la cena a la que me habían invitado.
5. ¿Sientes prejuicios por parte del mundo de la música clásica al ser pianista e influencer?
Muchos, pero los entiendo. Uno de los atributos que siempre me han alabado es ser un artista “interdisciplinar”, cualidad que considero me convierte en mejor profesional. Estudiar las sonatas de Beethoven me hace mejor actor; los rodajes y un guion hacen que toque mejor a Schumann.
Pero, curiosamente, creo que también es una cualidad que juega en mi contra. Me consta que varios directores y programadores no me han escuchado “porque es actor”. Prefieren a un pianista que solo tenga el piano y que, si su nombre les suena, sea por lo que hacen en la música. Entiendo la reticencia, pero me encantaría que me escucharan.
6. En 2024, ganaste el premio Ondas al mejor pódcast revelación con “¿Quieres ser mi amigo?”. Este mes estrenas tu siguiente pódcast, “El vomitorio”, que casualmente es un pódcast de música. ¿Está el público mainstream preparado para escuchar un pódcast de música clásica?
“El vomitorio” es un pódcast de arte que pretende descubrir al público esas historias y curiosidades que querrán contarles a sus amigos. Los primeros episodios han sido grabados en colaboración con la Quincena Musical de Donosti y Les Arts, en Valencia, pero nuestro objetivo es comunicar, siempre con pasión y emoción, desde las obras maestras de la música clásica hasta las galerías de los mejores museos del mundo.
El nicho de público de pódcast apasionado por la divulgación es el tercer mercado más grande dentro del mundo de las ondas. La gente quiere aprender, quiere conocer y quiere descubrir. Cómo Beethoven plantó cara a Napoleón, la leyenda de Mendelssohn, un carnicero y Bach… Son historias increíbles que entretienen y ayudan a comprender mejor el contexto.
7. Si alguno de tus hijos quisiera ser pianista, ¿qué consejos le darías y de qué forma te gustaría que encauzara su educación?
Como me dijo mi madre cuando le comenté a los seis años que quería tocar el piano: “¿Por qué no eliges un instrumento más fácil?”
8. ¿Por qué la ambición de ser solista está tan extendida entre los pianistas?
Todos queremos ser como nuestros ídolos. Los pianistas tenemos tanta variedad a la que admirar que nos aseguramos enamorarnos platónicamente de la figura de un solista. Te puede gustar Gould, Richter, Schiff, Trifonov… Hay mucho donde elegir y verse reflejado.
9. Tres libros y tres películas que todo el mundo debería leer o ver.
Los tres libros que recomiendo son Ensayo sobre la ceguera, Meditaciones de Marco Aurelio y Sapiens: de animales a dioses. Como películas, Blue Valentine, Cinema Paradiso y Parásitos.
10. Un deseo que le pides a la vida para los próximos años.
Que me siga apasionando tanto mi trabajo. Espero no perder nunca las noches sin dormir por la emoción que me provocan los proyectos en los que trabajo.
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Tres pianos de cola para todos los presupuestos
Los pianos de cola ofrecen una amplia gama de sonoridades, con un timbre más rico, un sostenido dulce y estable y mayores posibilidades de control. Evidentemente, estas características superiores también se reflejan en la diferencia de precio frente a los pianos verticales.
Sin embargo, existen pianos de cola para todo tipo de presupuestos. En este artículo te presentamos tres modelos que se adaptan perfectamente a las necesidades de cada pianista.
Essex EGP 173
Los pianos Essex incorporan las últimas especificaciones de diseño y estándares de calidad de Steinway & Sons a precios asequibles. El modelo Essex EGP 173 es un piano de media cola que destaca por sus excelentes prestaciones, su sonido cálido y su resonancia.
Este piano es idóneo para estudiantes avanzados y escuelas de música, ya que su tamaño encaja en cualquier espacio, pero no resulta pequeño en cuanto a volumen sonoro. Con unas dimensiones de 151 x 173 cm, el piano Essex EGP 173 se puede adquirir en negro pulido, blanco pulido o caoba pulido.
En nuestra web puedes explorar tanto los modelos nuevos como los de reestreno, con los que tendrás las mismas garantías de Hinves a un precio reducido.
Boston GP 178
Los pianos Boston, creados y desarrollados por Steinway & Sons, son instrumentos que destacan por su elevado rendimiento. Sus prestaciones y su tecnología lo sitúan en una gama alta, por lo que se refiere a calidad, y en un precio medio.
El ensamblaje se realiza en Japón, pero con los materiales, patentes, tecnología y control de calidad de Steinway & Sons. El resultado es un piano equilibrado, con grandes matices sonoros y un amplio rango dinámico de sonido.
El modelo Boston GP 178 es un piano de cola adecuado para pianistas profesionales y para el ámbito privado. Con unas dimensiones de 151 cm de ancho, 102 de alto y 178 de largo, nos hallamos ante un instrumento magnífico para presupuestos medios.
Steinway A 188
Decir “pianos de cola Steinway” es sinónimo de expresividad, artesanía, calidad y tecnología inigualables. Son los pianos por excelencia en el ámbito profesional, presentes en grandes salas de conciertos y auditorios.
Dentro de su amplia gama de pianos de cola, el modelo Steinway A 188 destaca por su sonoridad y sus matices, su calidez y, sobre todo, por su tabla armónica de abeto que logra una resonancia sin igual.
Con una longitud de 188 cm, nos encontramos ante un piano de cola de salón que satisface las más altas exigencias de cualquier pianista. Su tamaño compacto es adecuado para cualquier espacio.
¿Cuál de estos tres modelos de pianos de cola es tu preferido? Si quieres sentir su tacto y sonoridad, reserva una cita con Hinves y ven a visitar nuestro showroom. ¡Te esperamos!
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Cinco obras para piano que te ayudan a volver a tu rutina laboral
El final del verano se acerca inexorable y, con él, la vuelta al trabajo y a la rutina diaria. La música es una gran aliada para levantar el estado de ánimo y combatir el síndrome posvacacional. Por esa razón, hemos querido elaborar este recopilatorio con cinco obras para piano que te ayudarán a retomar la rutina laboral.
1. Sonata para piano n.º 14 en do sostenido menor, Op. 27 n.º 2 (Beethoven)
Esta icónica sonata, conocida popularmente como Claro de luna, se titula en realidad Quasi una fantasia. Fue compuesta en 1801 y está dedicada a la joven condesa Guicciardi, discípula de Beethoven y de quien, al parecer, estaba enamorado.
Se trata de una obra que invita a la relajación y que facilita la concentración. Su melodía suave y emotiva te ayudará a encontrar la calma antes de afrontar tus tareas diarias.
2. Balada n.º 1 en sol menor, Op. 23 (Chopin)
Chopin es un claro exponente del Romanticismo, por su expresión del sentimiento, la delicada sonoridad al piano, los matices y los contrastes. Esta balada fue compuesta en 1831, durante su estancia en Viena, aunque la terminó y publicó en París, en 1835.
El compositor Robert Schumann afirmaba que esta era su obra favorita de Chopin. Como sus otras baladas, es apasionada y llena de expresividad, pero además resulta especialmente conmovedora, por lo que puede inspirarte a superar cualquier obstáculo en tu camino.
3. Sonata n.º 11 en la mayor, K331 (Mozart)
La sonata K331 de Mozart es conocida por su tercer movimiento, el famoso “Rondó alla turca”. Compuesta alrededor de 1783, el tercer y último movimiento, llamado popularmente “La marcha turca”, se escucha a menudo, ya que es una de las piezas para piano más conocidas de Mozart.
Como ocurre con la mayoría de las obras del compositor austriaco, su ritmo vivaz y alegre te aportará la energía necesaria para afrontar tus responsabilidades.
4. El clave bien temperado, preludio n.º 1, BWV 846, en do mayor (J. S. Bach)
El clave bien temperado es la obra para teclado más icónica de Bach, aunque no es una de las que más se escuchan en teatros y auditorios. Formada por 48 preludios y 48 fugas divididos en dos libros, destaca por su interés compositivo y su original orden tonal.
El preludio n.º 1 en do mayor es una pieza luminosa y optimista que te ayudará a comenzar el día con buen ánimo.
5. Fantasía en do mayor, Op. 17 (Schumann)
La Fantasía en do mayor, Op. 17, es una pieza para piano escrita por Robert Schumann en 1836, cuando tenía veintiséis años. Dedicada a Franz Liszt, está considerada como una de las mejores piezas para piano solo compuestas por el músico alemán, además de ser una de las principales obras de la primera etapa del Romanticismo.
La Fantasía Op. 17 es una obra apasionada y llena de cambios emocionales. Escucharla puede inspirarte a superar tus desafíos laborales con determinación y creatividad.
Esta es nuestra selección de obras para piano para retomar la vuelta al trabajo, pero hay muchas más composiciones que aportan energía y ayudan a mejorar el estado de ánimo. ¿Cuáles son tus favoritas?
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Artista del mes: Yulianna Avdéieva
Dedicamos nuestra sección a la pianista rusa Yulianna Avdéieva, que alcanzó la fama tras alzarse con el primer premio de la XVI edición del Concurso Internacional de Piano Frédéric Chopin, ya que fue la primera mujer en lograrlo desde 1965, cuando lo ganó Martha Argerich.
Continuar leyendo «Artista del mes: Yulianna Avdéieva»Boston y Essex, al más puro estilo Steinway
Steinway & Sons es conocido mundialmente por sus excepcionales pianos de cola y verticales, que son sinónimo de calidad, fiabilidad y perfección. Desde 1853, su inimitable sonido ha llegado a miles de auditorios, salas de conciertos, escuelas de música y hogares.
Continuar leyendo «Boston y Essex, al más puro estilo Steinway «Cinco aplicaciones con las que escuchar música con la mejor calidad posible
Existen tantas aplicaciones móviles en el mercado que muchas veces resulta complicado encontrar aquella que se ajusta a nuestras expectativas y ofrece las funciones que deseamos. Por esta razón, en el artículo de hoy hemos querido recopilar las cinco aplicaciones con las que podrás escuchar música con la mejor calidad posible.
Te invitamos a descubrirlas.
1. Tidal
Tidal es una plataforma de streaming innovadora y fundada por artistas. Su aplicación está disponible para Android, iOS y Windows, pero también es compatible con dispositivos como reproductores web, altavoces y televisores.
Es una de las plataformas más populares para los amantes de la alta fidelidad. En ella encontrarás más de 80 millones de canciones en calidad CD y más de 650.000 vídeos en alta definición. La suscripción (a partir de 4,99 €/mes) te da acceso a videos musicales, contenido original, livestreams exclusivos, eventos, playlists preseleccionadas y mucho más.
2. Deezer HiFi
Deezer es un servicio de música en streaming que contiene una biblioteca de más de 73 millones de canciones con licencia oficial de los mejores artistas de todo el mundo. Con Deezer HiFi obtendrás streaming en alta fidelidad, con una calidad de 16 bits / 44,1 kHz (similar a un CD). También cuenta con un extenso catálogo de audio codificado en formato Free Lossless Audio Codec (FLAC), lo que conserva la mejor calidad posible.
Está disponible como para Android, iOS, Windows, Smart TV, reproductor web y más dispositivos. Cuenta con varios planes de pago para que cada usuarios pueda suscribirse al que prefiera.
3. Qobuz
Qobuz es un servicio de streaming musical ideal para audiófilos, principalmente enfocado en la música clásica y el jazz. La suscripción mensual da acceso a un extenso catálogo de más de 70 millones de audios en la mejor calidad de sonido disponible en streaming. El contenido se puede escuchar en dispositivos móviles, en ordenador o a través de Internet.
Ofrecer la posibilidad de comprar discos en calidad CD o calidad de estudio, para seguir escuchándolos, incluso aunque canceles la suscripción. Además de su amplio catálogo, Qobuz se distingue por ofrecer audio con calidad de estudio (24 bits a 192 kHz).
4. Amazon Music HD
Otra excelente opción para escuchar música con gran alta definición es Amazon Music HD. Los audios con calidad CD sin pérdida conservan los detalles de la grabación original y duplican la tasa de bits de los servicios de streaming de calidad estándar. La colección de música HD cuenta con más de 100 millones de canciones.
Además, dispone de una biblioteca de más de 7 millones de canciones en ULTRA HD, que reproduce con calidad superior (24 bits a 192 kHz), álbumes remasterizados y playlists preseleccionadas en HD y ULTRA HD.
5. Apple Music
La suscripción de alta fidelidad de Apple Music se denomina Apple Music Lossless. Aunque, evidentemente, solo está disponible para usuarios de los dispositivos de la manzana, estos pueden disfrutar de música sin pérdidas en 16 bits / 44,1 kHz.
Con Apple Music es posible reproducir y descargar música codificada con el formato Apple Lossless Audio Codec (ALAC), que reduce el tamaño del archivo, conservando todos los datos originales en el archivo. La música con audio sin pérdida está disponible en dos formatos: hasta 24 bits / 48 kHz y alta resolución hasta 24 bits / 192 kHz.
¿Con cuál de todas estas aplicaciones te quedarías? ¿Conoces alguna otra opción interesante?
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Artista del mes: Patrick Alfaya
Nuestra sección “Artista del mes” cuenta en esta ocasión con una entrevista a Patrick Alfaya, una de las grandes figuras dentro de la gestión de la música clásica.
Continuar leyendo «Artista del mes: Patrick Alfaya»8 anécdotas curiosas sobre Bach que te contamos en el aniversario de su muerte
El 28 de julio de 1750 fallecía en Leipzig Johann Sebastian Bach. Con motivo del 274 aniversario de su fallecimiento, hemos recopilado ocho anécdotas poco conocidas sobre el compositor alemán como forma de rendirle un pequeño homenaje.
Continuar leyendo «8 anécdotas curiosas sobre Bach que te contamos en el aniversario de su muerte»Pianos Steinway icónicos actuales: 3 pianos de lujo
Que el nombre Steinway & Sons es sinónimo de excepcionales pianos de cola y verticales desde hace más de 170 años es de sobra conocido. La elaboración artesanal combinada con la tecnología más vanguardista, la calidad, la fiabilidad y el sonido inigualable son algunas de las cualidades que han convertido a los pianos Steinway en los más deseados del mundo.
Continuar leyendo «Pianos Steinway icónicos actuales: 3 pianos de lujo»Artista del mes: Enric Martínez-Castignani
En esta ocasión, dedicamos nuestra sección “Artista del mes” al barítono italo-español Enric Martínez-Castignani, graduado en Canto y Dirección Orquestal por la Musikhochschule Heidelberg-Mannheim (Alemania).
Continuar leyendo «Artista del mes: Enric Martínez-Castignani»Cinco piezas de música clásica para comenzar el verano
La música es emoción. Con cada creación, los compositores buscan provocar un estado de ánimo en la persona que la escucha. Las estaciones, con sus colores y sus sonidos, han servido de inspiración para numerosas composiciones musicales.
Hoy repasamos cinco piezas de música clásica para dar la bienvenida al verano.
1. “Noche de verano en el río”, de Frederick Delius
Los ríos también son elementos que han dado pie a la creación de espléndidas piezas musicales. El compositor británico Frederick Delius (1862-1934) se caracteriza por un estilo cromático, tonal y lleno de deliciosas armonías.
Noche de verano en el río, compuesta en 1911, forma parte de su obra Dos piezas para pequeña orquesta. Se trata de una creación que transmite a la perfección el estado de ánimo relajado y tranquilo de los atardeceres de estío.
2. “Verano” (Las cuatro estaciones), de Antonio Vivaldi
Esta es una de las obras más conocidas del prolífico compositor italiano Antonio Vivaldi (1678-1741). Como uno de los máximos representantes de la música barroca, el estilo característico de Las cuatro estaciones (publicadas en 1725) constituye uno de los primeros ejemplos de música programática o descriptiva.
El elemento narrativo de “Verano” transmite la sensación de calor, la energía de la estación más cálida del año y los contrastes propios de esta época, como la tormenta del último movimiento.
3. “El cisne de Tuonela” (Lemminkäinen Suite, op. 22), de Jean Sibelius
El músico Jean Sibelius (1865-1957) es conocido por ser uno de los mejores compositores finlandeses. Su obra, desarrollada entre finales del Romanticismo y comienzos del Modernismo, se hizo muy popular por su estilo incidental y sus poemas sinfónicos.
Lemminkäinen Suite, compuesta en la década de 1890, es una pieza orquestal en cuatro movimientos basada en la epopeya finlandesa Kalevala. El segundo movimiento, “El cisne de Tuonela”, la pieza más popular, evoca la atmósfera calmada y serena de una tarde de verano.
4. “Verano” (Las estaciones, op. 37a), de Piotr Ilich Chaikovski
El compositor ruso Chaikovski (1840-1893) es autor de algunas de las obras musicales más famosas del Romanticismo. En 1875, recibió el encargo de componer Las estaciones, un conjunto de doce piezas cortas para piano.
Chaikovski describió en cada pieza las características de los meses del año en Rusia. La parte dedicada a los meses de verano (“Barcarola”, “Canción del segador” y “Cosecha”) nos transporta a la calidez estival en el campo.
5. Música de verano, de Samuel Barber
La obra del compositor estadounidense Samuel Barber (1910-1981) se caracteriza por una orquestación poética, refinada y melódica que ha sido descrita como neorromántica.
Música de verano (1959) es una pieza de música de cámara compuesta para quinteto de viento en la que se aprecian ciertas influencias de Gershwin y Stravinsky. Las florituras solistas de flauta, oboe, fagot, clarinete y trompa se combinan entre sí, evocando la alegría y la energía de la época estival.
Hasta aquí, nuestra selección de piezas musicales clásicas para recibir el verano. ¿Qué otras composiciones añadirías a esta lista?