En esta ocasión, nos entrevistamos con José Luis López-Antón, un joven director de orquesta que está dando mucho que hablar en el panorama de la música clásica.
Nacido en 1990, José Luis López-Antón pertenece a la nueva generación de directores de orquesta que están marcando el ritmo en nuestras salas de conciertos y auditorios.
UN DIRECTOR DE ORQUESTA PRECOZ
Estudió en el Conservatorio Superior de Salamanca, donde destacó de manera excepcional. Obtuvo Matrícula de Honor y el Premio Extraordinario Fin de Carrera, por su excelencia académica. Además, durante tres cursos consecutivos recibió la beca para alumnos con excelente aprovechamiento académico de la Junta de Castilla y León. Entre sus profesores más relevantes se encuentran figuras como Miguel Romea, Andrés Salado, Achim Holub y Andrew Gourlay.
Gourlay fue director titular de la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL) y López-Antón tuvo la oportunidad de trabajar como su director asistente en diversas producciones, lo que le permitió adquirir experiencia y consolidar su estilo.
Con tan solo 36 años, ya es una de las figuras más destacadas de la música clásica en España. Su carrera ha experimentado un ascenso meteórico en muy poco tiempo, gracias a su talento, dedicación y versatilidad.
UNA CARRERA EN ASCENSO IMPARABLE
Actualmente, es director titular y artístico de la Orquesta Sinfónica de Ávila (OSAV). Sin embargo, ha conducido con gran éxito otras orquestas, como la Orquesta Sinfónica de Radiotelevisión Española (ORTVE), la Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), la Orquesta de Córdoba, la Orquesta Sinfónica de Navarra, la Orquesta Filarmónica de Málaga y la Orquesta y Coro de la Comunidad de Madrid (ORCAM), entre otras.
En el ámbito operístico, López-Antón es conocido por su versatilidad a la hora de abordar diferentes estilos. Ha dirigido estrenos mundiales de óperas, como Yo, Claudio y Los Comuneros. Recientemente, estrenó la zarzuela El orgullo de quererte, de Javier Carmena. Su repertorio incluye obras clásicas como La traviata, La flauta mágica y Rigoletto, así como zarzuelas diversas.
PRÓXIMOS CONCIERTOS
La actividad de López- Antón en los próximos meses es una prueba de su excelente momento profesional. Tras un intenso inicio de año, su calendario de primavera y verano se despliega con citas de gran calado:
El mes de abril arranca con una cita en Lituania (10 de abril) dirigiendo Falla y Zarzuela junto a la Klaipeda Chamber Orchestra. En Madrid, el Auditorio Nacional será protagonista con una gala de Napolitanas Italianas (11 de abril) y un programa dedicado a Falla, Rodrigo y Beethoven (23 de abril), además de un concierto barroco en Vicálvaro el 18 de abril.
A finales de mes, viajará a Colombia para dirigir a la Filarmónica de Bogotá (30 de abril y 2 de mayo). En mayo, tras una gala de zarzuela en El Escorial con la ORCAM (día 16), se pondrá al frente de la Sinfónica del Estado de México (OSEM) los días 22 y 23. Finalmente, regresará al Auditorio Nacional el 11 de junio para una gran producción de La Traviata.
ENTREVISTA: JOSÉ LUIS LÓPEZ- ANTÓN
1) Suele decirse que el director “no suena”, pero decide cómo suena todo. ¿Cuándo fue la primera vez que sintió que dirigir una orquesta podía ser su forma natural de hacer música?
En mi caso fue determinante colaborar como instrumentista junto a la fabulosa Orquesta Sinfónica de Castilla y León (OSCyL), la orquesta de mi tierra. Fui consciente de el gran peso que tienen los directores en «dar forma» al sonido y desde luego que fue la chispa que prendió la llama en comenzar mis estudios en dirección de orquesta….Quién me iba a decir que años después iba a poder dirigir esa misma OSCyL en diferentes y variados proyectos. Desde luego ue no me lo hubiera imaginado!!
2) Muchos directores comienzan su relación con la música desde el piano. ¿Qué lugar ha ocupado el piano en su formación y en su manera de estudiar una partitura orquestal?
Yo no soy pianista, entonces el enfoque es un poco diferente al de muchos compañeros que por ejemplo se han desarrollado en sus inicios en casas de ópera como repertoristas. Pero es totalmente cierto que el piano siempre ha estado en mi formación con ese título de «complementario», que yo sustituiría por «necesario»; ya que el uso del mismo para el estudio polifónico, armónico y estructural de los scores de director forma parte de mi día a día.
3) Dirige obras tan distintas como el Réquiem de Mozart, El amor brujo de Falla o La Traviata. ¿Qué cambia y qué permanece en su forma de trabajar cuando pasa del sinfonismo al repertorio vocal u operístico?
Desde luego que hay un común denominador aunque se transite por diferentes géneros musicales, que es el respeto al texto, a la partitura y al compositor. La esencia en el estudio es la misma, utilizar el análisis de la partitura en todos sus enfoques para llegar a la esencia de qué nos quiso transmitir su compositor. Y luego esto plasmarlo en el sonido que deseamos obtener de la orquesta, coro, etc… Pero bien es cierto que el modo de hacer cambia en función del género que uno dirija. Si nos ocupa el sinfónico-coral como es el Réquiem de Mozart, uno debe poner especial cuidado en el balance coro-orquesta, en el cuidado del texto, en la afinación del mismo en los momentos más melódicos como el Lacrimosa….Por el contrario si estamos con el Amor Brujo de Falla es totalmente imprescindible obtener el carácter racial, folklórico y étnico de dicha escritura para que tenga el «aroma» apropiado a la idea original de Falla. En resumen, la forma de trabajar es generalmente similar aunque con estas características diferentes. Al igual que Carlos Alcaraz pueda cambiar algunos aspectos de su juego al pasar de la hierba a tierra batida; pero sigue siendo reconocible en su juego. Creo que sería una buena comparación.
4) En su agenda aparecen salas muy distintas: desde el Auditorio Nacional hasta escenarios en Colombia, México o Lituania. ¿Qué aprende un director de orquesta al cambiar de país y de tradición musical?
Yo diría que lo más importante que aprende es a escuchar. Parece una obviedad, pero las sutilezas del sonido propio de cada orquesta se perciben al poner esa especial atención al detalle. El Lituania que haré Falla y Zarzuela, será maravilloso ver cómo es a priori su enfoque musical siendo un país tan alejado a nivel geográfico de nosotros; pero que curiosamente ama la Zarzuela muchísimo, incluso tienen un programa de Zarzuela para jóvenes en su Teatro Nacional . O por el contrario con la Filarmónica de Bogotá que es una orquesta totalmente referente en América Latina haré un programa con Mozart y Brahms como ejes centrales, así que será maravilloso observar en ese primer ensayo cuál es «su sonido» para este repertorio y a partir de ahí trabajar en mi idea musical y sonora para llegar al fin último de un director: que es trasladar la «esencia» de lo que el compositor nos ha legado. Y por último y no menos importante, todos los viajes siempre son tremendamente enriquecedores en el plano humano y personal. Vivir, compartir, charlar, visitar, descubrir una nueva ciudad o país es algo que me hace crecer como persona en cada ocasión. Así que ya estoy deseando comenzar esta etapa frenética de viajes que se apoxima con muchas ganas.
5) El Concierto de Aranjuez aparece varias veces esta temporada, con solistas diferentes. ¿Cómo dialoga un director con el pianista o guitarrista solista para que una obra tan conocida vuelva a sonar nueva?
Sí, el Aranjuez es una obra que me ha acompañado en toda mi carrera como director y que ya he dirigido en 12 ocasiones, por lo que seguiremos sumando interpretaciones a esta obra tan emblemática. El diálogo con un solista siempre es fundamental a la hora de abordar una obra concertante. Conocer sus tempi, su idea sonora de la pieza, qué quiere transmitir, los puntos conflictivos a solventar con la orquesta…Todo esto es fundamental. Fíjese que aunque ya haya dirigido 12 veces el Concierto de Aranjuez, siempre se encuentra un nuevo detalle en la partitura, siempre la obra es diferente. Principalmente porque nuestra interpretación viene siempre condicionada por lo que somos nosotros….el «Yo soy yo y mi circunstancia» que decía Ortega y Gasset. Personalmente yo esto lo considero maravilloso, y un elemento de peso para que en estos tiempos de la Inteligencia Artificial se ponga en relieve el lado humano como algo genuino y neceasrio.
6) Para quien no es melómano: ¿qué debería escuchar o sentir el público cuando ve a un director de orquesta en acción durante un concierto?
Principalmente yo les diría que se fijen en la energía que transmite y en cómo se comunica con sus músicos. Creo que esas dos palabras son clave en el oficio y el arte de la dirección de orquesta: comunicación y energía. Siempre está el viejo tópico de que los directores marcamos el compás para que todo el mundo toque a la vez….pero la realidad va muchísimo más allá de eso. Y un director puede con el gesto cambiar el sonido, el fraseo o la articulación de una frase musical en tiempo real…es quasi mágica esta vía de comunicación.
7) Ha trabajado con grandes solistas internacionales y también con jóvenes orquestas. ¿Qué le aporta cada uno de esos mundos y cómo se equilibra la excelencia con la pedagogía?
Desde luego que proyectos junto a grandes solistas siempre suponen una gran satisfacción y un sueño cumplido. Se me viene a la cabeza la Gala Lírica que pude dirigir junto a el fabuloso Javier Camarena hace unos años. Por contra el trabajo con las jóvenes orquestas es siempre maravilloso y altamente satisfactorio. Tienen la ilusión de hacer música totalmente intacta y los encuentros de orquestas jóvenes se viven como algo muy especial y único. Se ensaya por 7/8 horas diarías y después de eso los músicos siguen teniendo ganas de tocar, de montar grupos de música de cámara, etc….Yo fui miembro fundador de la JOSCyL (Joven Orquesta Sinfónica de Castilla y León) en 2005 y esa experiencia me cambió la vida y por eso me dedico ahora a la música y a la dirección de orquesta.
8) En su día a día, ¿cómo es la vida real de un director de orquesta fuera del escenario? ¿Hay silencio, hay piano, hay estudio constante… o todo a la vez?
Pues hay todo eso y mucho más, Nacho. Cuando se solapan muchas semanas de conciertos y ensayos consecutivas uno está inmerso en esa «rueda» y con la mentalidad del deportista de élite buscando mejorar su marca personal en cada intento; pues así es nuestro trabajo, tremendamente exigente. Pero cuando esa intensidad baja, se agradecen momentos de silencio, de lectura, de tener más tiempo para el deporte, para el autocuidado. Y también de estudiar con calma los siguientes proyectos y de echarle horas al trabajo de «oficina» que es tan importante…Digamos que en ese equilibrio está la virtud…ese «justo medio» aristotélico que siempre cuesta mucho alcanzar.
9) Como director artístico y divulgador, defiende el acercamiento de la música clásica a nuevos públicos. ¿Qué papel cree que tienen hoy espacios como una tienda de pianos en la transmisión de la cultura musical?
Pues precisamente en el sentido de un foro donde evidemente se venden pianos pero que en el fondo va más allá. Un lugar como HINVES respira artesanía y amor por el oficio y la música. A la par que desarrolla iniciativas musicales (conciertos, presentaciones de discos, etc) lo cual convierten el espacio empresarial en algo más. Un rincón donde apreciar y disfrutar de la música y la cultura, unidos a una gran tradición familiar y mimo por el detalle. ¿Qué más se puede pedir?
10) Si tuviera que recomendar una obra orquestal “puente” ideal para alguien que ama el piano pero se inicia en el mundo sinfónico, ¿cuál sería y por qué?
Pues aquí no me queda otra alternativa que elegir un concierto para piano y orquesta, ya que es la fórmula perfecta que aúna los dos mundos….lo difícil ahora es elegir cuál, jeje. Creo que me quedará con el Concierto nº 2 en Fa m op. 21 de F. Chopin, por afinidad estilística personal y por ser una obra que he dirigido ya en varias ocasiones. Creo que sería esa «puerta de entrada» ideal para los melómanos del piano que se adentren en el mundo sinfónico.
